Personnes : Luis Colan – Dessinez ce que vous voyez, pas ce que vous savez

Nous avons d'abord découvert Luis Colan à travers ses croquis. Mon collègue s'est arrêté sur un en particulier : un sentier forestier ombragé, une colline qui émerge à travers les arbres. La scène semblait immédiate et vivante, comme si une brise fraîche s'était échappée de la page.

Et puis nous l'avons remarqué. « Attendez… Est-ce un stylo Scriveiner ? » La silhouette rouge d’un stylo de poche a attiré notre attention. L’image est restée avec nous pendant des jours, et découvrir davantage le travail de Luis n’a fait qu’approfondir notre curiosité.

En tant que fabricants d’instruments d’écriture de qualité, nous aimons voir un Scriveiner en action, faisant partie de la routine quotidienne de quelqu’un, un outil de confiance, un stylo de prédilection.

Nous avons contacté Luis pour parler de son parcours, de son processus créatif et, bien sûr, des stylos. Aujourd’hui, nous vous invitons à rencontrer Luis Colan, artiste new-yorkais, à travers cette interview sincère.

Scriveiner : Veuillez vous présenter et vous décrire en tant qu’artiste.

Luis : Je m’appelle Luis Colan. Je poursuis ma carrière artistique ici à New York depuis 21 ans. J’ai commencé comme peintre et pendant longtemps, j’ai résisté à dessiner.

Depuis mon déménagement à NYC en 2004, je tiens un carnet de croquis pour noter des idées, qu’elles soient écrites ou visuelles, pour de futures peintures. La plupart de mon temps de dessin se passait pendant les trajets en train. Ce n’est qu’en 2015 que le dessin au stylo et le croquis sont devenus une nécessité. C’est à ce moment-là que j’ai commencé une pratique de monotype, et j’ai toujours voulu être prêt avant chaque séance d’impression avec des croquis miniatures. Ce carnet et ce stylo ont ouvert une nouvelle direction pour moi. Ce n’était pas prévu ; c’est simplement devenu une habitude. Avec le temps, les miniatures sont devenues des dessins plus développés et détaillés, et les gens s’y sont connectés sur Instagram, ce petit changement dans ma pratique est devenu central dans ma production artistique aujourd’hui.

Scriveiner : Vous souvenez-vous de la première fois où vous vous êtes considéré comme un artiste ?

Luis : Je dessine depuis que je suis enfant, dès l’âge de cinq ans. Ma mère m’a fabriqué un carnet de croquis avec du papier d’imprimante usagé, et j’y passais des heures à le remplir. Je me souviens avoir réalisé très tôt que je voyais les choses différemment. Quand la plupart des enfants dessinaient des voitures sous forme de rectangles avec deux roues, je dessinais les courbes du pare-chocs entourant les pneus.

En première année, j’ai gagné un concours de dessin. Je ne savais pas encore que je deviendrais artiste, mais je savais qu’il y avait quelque chose en moi qui me faisait regarder le monde autrement.

Scriveiner : Plus tard, vous avez étudié à la Hartford Art School. Comment cette expérience vous a-t-elle façonné ?

Luis : Hartford a été un lieu très important. Elle a une longue histoire : fondée en 1877 par des femmes influentes de Hartford qui voulaient avoir accès au dessin d’après modèle alors qu’elles en étaient exclues ailleurs. Au fil des années, l’école a fusionné avec l’Université de Hartford, et de nombreux artistes importants y sont passés, ce qui lui a conféré un prestige, en faisant une école d’art importante dans le pays. On le ressentait en parcourant les couloirs.

Il y a un débat constant selon lequel les écoles d’art américaines n’enseignent pas assez la technique. Je me souviens avoir ressenti cette frustration. Mais avec le recul, je vois à quel point j’ai eu la chance d’avoir des professeurs qui tenaient à cœur le dessin et la peinture d’une manière, on pourrait dire, traditionnelle. Leurs conseils résonnent encore quand je travaille. Hartford m’a donné une base sur laquelle je m’appuie encore aujourd’hui.

Scriveiner : Quel est le conseil le plus significatif que vous ayez jamais reçu en tant qu’artiste ?

Luis : Un de mes professeurs, Fred Wessel, a remarqué quand je suis passé du réalisme à l’abstraction. Au lieu de résister, il m’a dit : « Tant que tu travailles honnêtement, cela transparaîtra dans ton travail. » Cela m’est resté.

Pour moi, l’honnêteté est tout. Ne te laisse pas piéger par le personnage d’Artiste. Ce qui compte, c’est l’œuvre elle-même. Si elle est honnête, les gens le ressentiront.

Scriveiner : Parlons des outils. Comment le dessin au stylo est-il devenu votre médium ?

Luis : Tout a commencé avec les trajets. Je voulais quelque chose de portable, et j’ai choisi un stylo presque par hasard. Au début, j’étais mal à l’aise. Pendant longtemps, mon expérience était au crayon et au fusain, mais le papier lisse de mon carnet m’a obligé à m’adapter. Le stylo est permanent, donc je devais m’engager à chaque trait.

Avec le temps, c’est devenu naturel. J’ai trouvé une boutique avec une infinité de stylos de toutes sortes, rangés dans des bocaux en verre, où l’on peut essayer et griffonner avec chacun. Plus tard, je me suis senti plus à l’aise avec la grande variété d’options disponibles : j’ai commencé à acheter des stylos roller, puis des stylos plume.

Beaucoup pensent que les stylos plume sont intimidants, comme s’ils étaient des objets fragiles réservés aux collectionneurs. Mais j’ai découvert le contraire. Ils sont durables, pratiques et infiniment gratifiants.

Un bon stylo, quand on l’achète pour être un outil plutôt qu’un objet de collection, ne doit pas trop attirer l’attention sur lui. On doit aimer son esthétique, mais surtout, il doit être équilibré et léger, pour que l’on se concentre uniquement sur la ligne qu’il trace. Le corps doit y répondre.

J’ai aimé utiliser votre stylo, le stylo de poche. Son design est simple, très très épuré, le corps en aluminium est très léger. Son design me rappelle les pinceaux aquarelle de voyage, il a donc déjà un côté romantique. Mais plus important encore, c’est le poids et l’équilibre. Tous les stylos plume que j’ai appréciés au fil des ans étaient élégants, légers et équilibrés, et le Scriveiner donne une sensation d’ancrage qui rend le dessin très agréable.

Je suis une créature d’habitudes : une fois que je trouve quelque chose que j’aime, je m’y tiens. Depuis des années, c’est un carnet Moleskine et deux stylos à pointe fine (bille et roller). Aussi simple que cela.

Scriveiner : Pour les étudiants et artistes en herbe, qu’est-ce qui compte le plus pour développer une pratique ?

Luis : La pratique. Rien ne la remplace. Vous pouvez suivre des centaines de cours, mais le dessin est personnel. C’est, encore une fois, la façon dont votre corps réagit aux matériaux.

Il y a un dicton que j’adore : « Dessine ce que tu vois, pas ce que tu sais. » Nous « savons » qu’une table est un rectangle avec quatre pieds, mais ce que vous devez vraiment capturer, c’est son apparence depuis votre angle — sa lumière, sa forme et sa présence. C’est ce qui rend un dessin personnel et vivant.

J’ai animé un atelier de dessin à Central Park la semaine dernière, et je me souviens avoir dit cela aux étudiants. Quand vous êtes assis devant un arbre, vous n’avez pas besoin de dessiner chaque feuille. Vous devez trouver son rythme, sa silhouette, l’énergie des branches qui s’élèvent. Simplifiez, et le cerveau complète le reste. C’est là que votre dessin commence à respirer.

Scriveiner : Avez-vous déjà créé une œuvre qui vous a appris quelque chose de nouveau sur vous-même ?

Luis : Je suis constamment à la recherche de ce moment. Parfois, ce n’est qu’avec du recul que je réalise où une œuvre m’a conduit. J’ai créé ceci, ce qui a mené à cela, puis à autre chose, et maintenant j’en suis là.

Mais en termes de « m’apprendre quelque chose sur moi-même », je ne pense pas avoir encore totalement atteint « l’œuvre » en question. Peut-être que dans ce cas, la recherche elle-même est tout l’enjeu.

Scriveiner : Et enfin, la question la plus difficile. Comment savez-vous quand une œuvre est terminée ?

Luis : La plupart d’entre nous ne le savent pas ! Pour moi, c’est quand la surface semble complète, quand tous les coins sont activés. Si je continue à travailler au-delà, je risque d’abîmer l’œuvre.

Parfois, je détruis des travaux inachevés ou quelque chose qui me demande d’y revenir. Je préfère le déchirer ou le couvrir complètement. Parce que si vous continuez à retravailler, le fantôme de l’original persiste, et vous n’en êtes jamais libéré.

Je pense qu’une œuvre est terminée quand elle vous permet de respirer. Quand elle est confortable, quand elle semble juste. Bien sûr, un an plus tard, vous pouvez tout remettre en question. Mais sur le moment, le souffle vous dit que c’est fini.

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Luis, merci pour cette opportunité, votre honnêteté et votre dévouement à votre art. Ce fut un grand plaisir de vous parler et d’en apprendre plus sur votre parcours.

Si vous souhaitez découvrir davantage d’œuvres de Luis Colan, n’hésitez pas à visiter son site professionnel et sa page Instagram.